大师们关于素描的论述

　　素描是一种具有独立语言的艺术形式。又是一门造型艺术学科，它又是一种艺术创作中认识与表达的方式，它的特征是用单色来表现艺术造型，并且具备独立的艺术语言体系。
　　摘自《素描研究》仇永波马也编著
　　素描、色彩，实在地说，世界上有多少艺术家，就有多少种素描和色彩。我们去努力了解伟大的画家吧，爱他们，陶醉在他们的天才中吧。但是我们要小心，不要把贴上标签，像药剂师的那样。罗丹
　　素描的美，完全是由于所表达的真实的感情。罗丹
　　形体或素描，其表现形式是无限丰富的，可能表现得非常充份，而且带有气度高尚的审慎感，或者是仅仅利用线条，或者是借助于能塑造的物体，并能表现光线的色调。高更
　　我劝你在研究对象时要非常朴实，正确地画出你所看见的。对你自己要有信心，而这是格言：完整与自信。柯罗
　　线和形越是简练，就越富有美和魅力。相反的往往是你们只顾分析形的局部，使局部彼此松散无力，而一定会把形弄得支离破碎。安格尔
　　毫无疑问，技法不过是一种手段，但是轻视技法的艺术家，是永远不会达到目的的。
　　罗丹
　　如果准确性是素描的终极目的，那么画家之间便不存在什么区别了。幸好，这些大画家很少关心准确性。如果我把一位最伟大的艺术天才超逸于真实的壮举视为错误的话，我会感到羞愧的。安格尔
　　对艺术要素的分析，是通向作品内部活动的桥梁。康定斯基
　　请注意模特儿（对象）相互之间的大小关系，这里包含着整体的特色。最好让模特儿（对象）一下子使你震惊，而你则立即产生深刻的印象。如果谁无视奉行这种方法，他只能在纸上搜索不定，什么肯定的东西也树立不起来。你们蓄意要表现的形象应该先在你们的头脑里整体地展现在眼前，当你们描绘对象时才能和你们早在构思中已经掌握好的形象一样得到充分的体现。
　　安格尔
　　素描画的不是形体，而是对形体的观察（与思考）。德加
　　对素描的黑白灰问题，我们要从两个方面去认识它。一、它是指在光的照射下所产生的物体表面自身由亮到深的色调变化；二、是指艺术家对画面本身所作的黑白灰色块的分布与设计。一是客观的，二是主观的。
　　作为一个有经验的艺术家，对其所描绘的眼中世界是不能面面俱到的，他首先要将所观察到的世界进行概括和整体的归纳，并能够合理地控制画面的黑白调子的分布。因此，物体的色阶层次变化，最终都需要艺术家对其进行合理地归纳，整合出大的黑白灰几个主要色阶，这对于从本质上去理解物体的构造和从整体上去控制画面有着重要的意义。
　　摘自《素描研究》仇永波马也编著
　　达芬奇曾经说过：那些作画时单凭实践和肉眼的判断，而不运用理性的画家，就像一面镜子，只会抄袭摆在面前的一切东西，而对它一无所知。因此，艺术家在进行创作时，光靠眼睛是不够的，，还应当用心灵去体会世界，并在自然面前发挥主动性。
　　摘自《素描研究》仇永波马也编著
　　素描这是一种用之创作一切艺术的东西。为了能表现出某种特具形状的物体的美丽和优雅，这个任务就得由素描来担当了。巴切克
　　画面的黑白灰如何来分布，怎样使画面更加富有美感，黑白灰的色阶如何更加概括、更加富有感染力，它的度怎样来把握，这些都是显示一个艺术家基本素养的具体体现。摘自《素描研究》仇永波马也编著
　　把被画对象的最本质的东西，尽可能显示得使其更富有表现力，而把普通一般的地方留在阴影中。凡高
　　变化与均衡
　　画面构图最应回避的构图方式是画面的绝对均衡，因为这样会使观者产生平淡、呆板的视觉感受。因此，构图中要强调特定关系的变化，并能将这种变化转化成和谐的统一。这种构图的形式变化，能使原画的静止状态转化成带有动感的运动状态。这就要求在画面中寻求变化中的平衡关系。构图的变化确定了形式美感的多样性，而和谐又完成了形式自身的统一原则。摘自《素描研究》仇永波马也编著
　　节奏与韵律
　　节奏具有美感意义，同时它又是形式美的重要内容。画面中的结构形式要素，如点、线、面、黑、白、灰、明暗、色彩等在表现上都是具有节奏变化的，它们的强弱、虚实、疏密、明暗等相互关系，组成不同的韵律、节奏，并具有情感因素。节奏在构图中的总体关系，形成画面形式变化的韵律。画面的韵律也称之为韵味，构图的形式美感，往往就体现在这种韵味之中。摘自《素描研究》仇永波马也编著
　　艺术上的素描，好比文学上的风格。装腔作势，故弄玄虚的文体都是不好的，好的应该是：使读者忘记这是风格，而把全部注意力集中在所处理的主题上，所表达的感情上。真正好的素描，好的文体，就是那些我们想不到去赞美的素描与文体，因为我们完全为所表达的内容所吸引。美只有一种，即宣示真实的美。只有反映了真实，才能获得这种优越性。
　　罗丹
　　许多艺术家的失败，仅仅是他们只接受一种画法，而指责其它所有的画法，必须研究一切画法，而且要不偏不倚地研究，只有这样才能保持自己的独特性，因为你将不会跟着一个艺术家跑，应该做所有人的学生，而同时才能不是任何人的学生，应该把一切学到的功课，化为自己的财产。德拉克罗瓦
　　艺术不是自然简单的再现，而是在自然中找出严密的秩序，然后重新构成画面，从而创造出新的自然。塞尚
　　在艺术中，有性格的作品才算是美的。所谓性格，就是不管是美的丑的，某种自然景象的高度真实，甚至也可以叫作双重性的真实因为性格就是外部真实所表现于内在的真实。就是人的面目，姿态和动作，天空的色调和地平线，所表现的灵魂、感情和思想。
　　罗丹
　　素描绝不是单纯地打轮廓；素描不仅是由线条组成的。素描它还还具有表现力，有内在的形，有画的全局，是艺术的雏形。请注意素描之后产生什么吧！素描本身已包含着全面的四分之三强。如果我要在自己的门上挂一块匾额，我将在上面写上素描学派四个字，因为我坚信，一位画家是靠什么来造就的。安格尔
　　在研究描绘对象时，首先必须注意整体，向整体要答案。只有从整体出发，细节应当是举足轻重的，而且是一些须使其本身就范的琐细事物。形式应当广泛，一定要宽阔些！形这是一切的基础和条件。即使烟雾也只能用线来表现。安格尔
　　画家完全有权力要求自己的作品精雕细刻，但他必须赋予这种精雕细刻以感染力，感染力并不排斥精细，整幅画既包括严实的素描结构，同时也含有细腻的素描表现力。不管怎么说，绘画只不过是由坚实而自负的，并且有个人的特色的素描所构成的，即使一般的图画，也得靠其本身的优美感人来激惹观众。但单凭优美还不够，正如仅仅靠素描功夫还不够一样，还应要求更多一些，即是说，要让素描的范围扩大到足以囊括一切。安格尔
　　无知的人所喜欢的，就是制作上那种毫无表现力的烦琐，虚假高贵的姿态，庸俗的人完全不懂得大胆的简练。将无谓的细节迅速放过，只注意整体的真实。罗丹
　　我告诉画家们，谁也不应该抄袭他人的风格，否则他在艺术上只配当自然的徒孙，不配作自然的儿子，自然事物无穷无尽，我们应当依靠自然，而不应该抄袭那些也向自然学习的画家。达芬奇
　　深入探求我们素描线条中的各种表现和多样对比，这是描写人物风采的唯一的手段。要突出模特的性格特征，就须有力而大胆地发挥这些手段，如有必要，甚至可以漫画化，（这里所谓的漫画化，我是指为了更具有重点地去表达它那极其真实的状态。安格尔
　　素描是指南针，它指引着我们，使我们不至于沉没在色彩的海洋中，因为许多人都沉没在色彩的海洋中，希望找到一条生路。勒勃伦
　　在眼睛和所见的景物之间，需要想象出有一个透明的平面，它截断所有从眼睛投向被观察物体上的视线。丢勒
　　一幅画的表现力取决于作者丰富的素描知识，撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。掌握大概的准确，就等于失去准确，那样，无异于在创造一种本来他们就毫无感受的人物和虚构的情感。要使形象极端的准确，只有借助最充分的素描知识。所以，文艺复兴时代的美术家们的卓越表现技巧证明了他们是伟大的素描大师，请注意一下拉斐尔的画吧！安格尔
　　画素描不是把事物表现得像真的那样（这是雕塑的任务）而是表现似乎像那样的样子，第一是从正确地勾出线条开始工作。第二是有层次的色调结束工作。简单地说，首先应该训练学生的眼睛，而不是头脑。德罗克罗瓦
　　一幅名符其实的素描（油画亦然）是靠画家根据所画对象的独特的美所给予的印象作出的那种解释，或者根据他所发现的那一部分美的印象来加以解释，并使其突出，使其对于那些经验少的目光成为可视的，画家要凭他的天赋才能来肯定自己的视力。
　　安格尔
　　素描艺术要求画家勤奋用功，深思熟虑和细心观察，为的是能对物体具有明确的概念。重复的速写，一方面是煅练手和加强形象的记忆，另一方面是使画家有可能随意想象出物体的形象，并用炭条、在画纸或画布上表现出来。只有经过长期的练习才能达到技巧纯熟，画笔流畅。尚德拉尔特
　　素描一方面来自理智，一方面又从无数的自然界物体的形式结构中获得普遍的见解，因为自然界物体的形式和结构，完全是按其自身的规律构成的，都是独具特点的，都是无比卓越的。瓦萨里
　　画题并不是物象，而是那新的统一体，抒情性，它完全从各种手段里诞生出来的。感官消灭形式，精神创造形式，只有精神在创作中起决定作用。勃拉克
　　我不能奴隶般地摹仿自然，我必须解释自然并让其服从于图画精神。马蒂斯
　　艺术家所见的自然，不同于普通人眼中的自然，因为艺术家的感受能在事物外表之下体会内在的真实，即是说，通过他的与心相应的眼睛深深理解自然的内部。罗丹
　　对艺术要素的分析，是通向作品内部活动的桥梁。康定斯基
　　这样看来，情感的表达的艺术的表现力这是艺术的主要因素，它和造型是不可分割的。色彩的完美只起着一种从属的作用。正如了不起的色彩大师也只能望情感表现大师的项背一样。如果对这种现象横加指责，就意味着对艺术缺乏理解力。我们不能一个人要求对立着的两面。此外，作品完成的快对于保持色彩本身的吸引力是必要的，但它和那种为了达到造型的纯正所必须的深入研究毫无关系。安格尔
　　形体的完美与否要到最后作品完成时才显露出来。有些人仅满足于素描感觉，只要感觉表现出来了，他们便以为足够了。可是拉斐尔和达芬奇却向我们充分证实：感觉和准确性是可以调和起来的。安格尔
　　我是一方面细心地追求模仿自然，另一方面我决不失掉心里的感受。现实的东西只不过是艺术的一部分，而只有感性才能使它完整。只有你真受感动，你才能把直接的感受传给别人。柯罗
　　热衷于脱离科学而专搞实践的人，正如一个水手，登上一条没有罗盘，没有舵手的船，永远拿不准船的去向。实践必须永远建筑在坚实的理论之上，透视学乃是引向理论的向导和门径，少了它，在绘画上将一事无成。达芬奇
　　不时放下工作，稍事休息也是一种好办法。因为工作久了使你大受蒙蔽，而休息回来之后，你的判断力就增进了。离画面远站也行，这时画就小了，一瞥可见更多，站在远处比站在近处，更容易看出画面各部分与色彩的失调和不合比例。达芬奇
　　太忠于自然是错误的。艺术是一种抽象的东西，应当考虑它的效果，但更应该凝聚着你的创造性。这是一件和造物主创造世界同样的事情。它是一条通过创造而升华到神的世界的道路。高更
　　艺术不是再现可视的东西，而是使不可视的东西可视化。保罗克利
　　细节的简练和涵义的丰富，凡此种种都是每一件真正的艺术作品产生的必要前提。
　　马蒂斯
　　最纯粹的杰作是这样的：不表现什么形式，线条和颜色再也找不到了，一切融化为思想与灵魂。罗丹
　　绘画是精神图像的再现，而不是对象的翻版。康定斯基
　　创造意味着表现你所具有的东西，任何真正创造性的努力都是在人类灵魂深处完成的。
　　马蒂斯
　　素描要不断地画，当没有机会用铅笔画素描时就用眼睛画。在你们未能把确切观察到的事物画出来之前，你们是创作不出真实美好的事物的。安格尔
　　总之，美是到处都有的，对于我们的眼睛，不是缺少美，而缺少的发现。自然总是美的，能了解自然向我们指出的，这就够了。安格尔
　　素描要画准确，人体的各部分仿佛有的地方是树木的主干，有的地方是树枝，有的地方是花朵和果实。务必注意人体的结构，结构实在的东西。首先要深刻地研究和了解内部有什么东西，它们是怎样生长的，要掌握人体的动势（方向、速度）的变化。布德尔